Ana Gallardo

Hace dos martes tuvimos una teórica en Accesorios muy copada que me vino al pelo para empezar a mostrar el trabajo de un artista. Ana Gallardo es una artista de género que realiza retratos (suyos o de otros) partiendo de historias personales que le disparen alguna idea. Me parece que es un proceso de trabajo muy interesante que personalmente, me encantó y muchas de las cosas que dijo me sirvieron. Algunas cosas que me quedaron:

Nuestra historia marca nuestra obra.

Las palabras y las cosas.

Detener el tiempo.

En el dibujo se atrapa el espíritu de lo que dibujo.

Historias de vida, relatos personales.

La memoria de los objetos.

Sostener lo insostenible.

Objetos de alto valor personal.

El arte si no es terapéutico, no sirve.

Entendiendo al otro, me entiendo a mí misma.

Representar la interioridad y elementos que simbolizan momentos clave de la vida personal.

- Patrimonio -

"Por un lado una serie de  objetos aparecen amontonados y sujetados a la pared de una manera bastante frágil y desesperada. Pareciera que el material que usa para mantenerlos unidos y sujetos a la pared es lo primero que encontró (curiosamente la llamada cinta de pintor) y lo que satisface mas rápidamente su urgencia. En la pared opuesta hay una aglomeración de dibujos sujetados con la misma cinta. Son estudios de objetos tales como almohadas, libros, colchones, sacos, sillones, lámparas objetos que se vislumbran entre las cintas en la acumulación de la otra pared. Pareciera que se detuvo a representarlos antes de sujetarlos de esa manera tan particular.

En Ana el pensamiento mágico del cavernícola se hace absurdo: ese personaje que ella hace de sí misma no acumula objetos, los sujeta a la pared y losrepresenta obsesivamente para poseerlos, porque de hecho ya los posee. Lo que el cazador paleolítico hace antes de ir a cazar Ana lo hace en la supuesta tranquilidad del hogar que esos objetos habitan desde hace tiempo."

Jorge Macchi.

- Identikit -

"Con el apoyo de la organización feminista  Casa del encuentro, investigué la sobre la desaparición de mujeres y niñas por redes de trafico de personas.

Realicé unas series de tarjetas postales con determinados casos.  

Dibuje con  lápiz y carbonilla, un objeto que pertenece  e identifica a cada una de estas mujeres y niñas desaparecidas.

Estas tarjetas están  ubicadas en exhibidores tanto en el centro de exposición como distribuido  por la ciudad, para que la gente se lleve dicha postal.

Es un trabajo en proceso, sigo trabajando, esta es la primera parte de una larga lista de mujeres desaparecidas en democracia."

- Casa Rodante -

"Durante el año 2006, Rocío, mi hija y yo, estuvimos sin casa.

La dueña del lugar  en el que vivíamos nos dijo que lo necesitaba,que tenía que vender etc. Me tomó por sorpresa. Con el diario en mano, salimos a buscar hogar, pero era todo inaccesible.

Un día, un amigo, me dice que tiene una casa  que esta en conflicto legal, que se esta por desocupar y que me la deja muy barata, que en un mes se resolvía el problema.

Decidimos esperarla.

Y lo que era un mes, pasó a ser dos y uno más y  el siguiente y el próximo y así comenzamos a mudarnos de casa en casa y una vez por mes.

(...)

Y un día apareció Esteban, otro  amigo, con una casa  que nos prestaba y a la que fuimos a vivir, porque la otra nunca se resolvió y para ese entonces todos los alquileres habían subido al cielo.

En este nuevo hogar  mis muebles finalmente no entraron.

Estos eran  añosos y gastados, pero queridos por mí.

Muebles que heredé de afectos y que acompañaron toda la vida de Rocío.

Ellos, conformaron nuestro patrimonio y con los mismos construí nuestra Casa Rodante.

Una tarde de domingo salimos a  andar por la calles de Buenos Aires."

- Tía Rosita -

"Durante dos meses Tía Rosita, una mujer de 78, reconstruyó su

historia de amor, la más importante. Le tome fotos, y grabé

todas las conversaciones que tuvimos , tratando de poner un

orden a  esos recuerdos.

En la sala del Centro Cultural Recoleta, ella dibujo los objetos,

lugares, las situaciones que tenían

relación con esa historia.

Ella me contó que en su infancia y adolescencia vivía en Italia y

se enamoró de un muchacho que a su papá no le gustaba,

así que se veían a escondidas en el campanario de la iglesia del

pueblo. Una tarde su padre le compró un

pasaje en barco para venir a Argentina, en donde vivían sus

hermanos.

En el campanario de la iglesia de siempre se despidieron

hasta el otro día, ella nunca le dijo que se iba del pueblo.

40 años después Tía Rosita regreso a Italia y lo encontró de casualidad

caminando por su pueblo, fue la única y última vez que se vieron."

- La escalera -

"Se convocó por mail a todo aquel que quisiera llevar un objeto personal relacionado con una historia de amor, la que quisieran contar.

La convocatoria fue abierta y durante la exposición siguió la gente llevando cosas"

web: http://anagallardo.com/

Triunica Choreia.

Después de 4 meses, vuelvo pero con la mente un poco renovada. Y encuentro necesario, antes que nada, hacer una breve explicación del nombre del blog. Conocí esas palabras cuando estaba cursando Estética el cuatrimestre pasado, materia que tuve que dejar por no llegar con los tiempos de la facultad, y hecho que todavía lamento. 

Cuando aparecen las primeras reflexiones estéticas de los griegos, empezaron ejerciendo sólo dos tipos de arte: uno expresivo (poesía, música y danza) y otro constructivo (arquitectura, escultura, pintura).

La danza se fusionaba con la música y la poesía en una totalidad, formando un solo arte, la "Triunica Choreia". Consistía en expresar los sentimientos mediante sonidos y movimientos, mediante palabras, melodía y ritmo. 

Y esa última oración me basto para querer mostrar esas expresiones manifestadas, pero incluyendo otras disciplinas. En definitiva, lo que me interesa es lo que queremos decir y cómo lo hacemos. 

ARTEBA 2011

Sábado en Arte BA 2011. Excelente muestra con muchísimos artistas que proponen cosas diferentes y muy interesantes. A continuación, algunas de las cosas que más me atrajeron.

Modo 7 Gallery. El sector Barrio Joven Chandon presentó galerías nuevas que incluyen iniciativas espontáneas proponiendo lo nuevo. Modo 7 Gallery presentó Superhéroes? Modelo 2011, de Mónica Potenza y Esteban Rivero. Reflejan en su obra la sociedad en que estamos inmersos, mediante un realismo sarcástico devenido de la historieta. No soy muy amante de los comics pero su técnica mixta me interesó mucho: combinación de acrílico, fotografía, serigrafía y collage. 

Bisagra Arte Contemporáneo. Buscan exponer y compartir reflexiones diversas, en este caso conceptualizaron el tema de la Niñez como un "laberinto gigante". "Distintas investigaciones y experiencias dan cuenta de la existencia del psiquismo infantil: los niños tienen un mundo interior habilitado por fantasías y sacudido por impulsos como muchas de las piezas que hoy presentamos" dijo Daniel Fischer, curador.

La obra de Catalina Schliebener me cautivó por la utilización de diferentes soportes como el collage, la fotografía y la instalación. Su trabajo explora el extrañamiento de lo familiar o cotidiano a partir de los propios elementos que componen dicho ámbito. El punto de partida siempre es una imagen o un objeto ya existente, proveniente de diversas fuentes como objetos de colección, avisos publicitarios, revistas y libros infantiles.

Espacio La Punta. 

Marcos Figueroa . American life. El beso de Gilda . 2011 . Construcción con alambres de púas . 

Federico Towpyha. 

Juan Batalla . Sin título . 2011 . Ensamblaje de caucho sobre madera, pintura

Galería fernando Pradilla. Marcos López.

Insight Arte. 

Gustavo López Armentía . Conocidos del mundo . 2010 . Técnica mixta .

Insight Arte. 

Martín Kovensky . Mundo de goma . 2009 . Caucho, costuras, cables y leds . 

Klaus Steinmetz cONTEMPORARY ART. 

Diego Linares . Blue Scream . 2008 . Óleo sobre lienzo .

Murilo Castro.

 Hilal Sami Hilal . Livro dos Nomes . 2007 . Papel de algodón moldeado y pigmentos .

Mirta Demare - Ruimte Voor Actuele Kunst. 

María Ikonomopoulou . The Secret - El secreto . 2009 . Fotografía impresa sobre tela y bordada con hilo . 

Pabellón 4. 

Manuel Archain . Desayuno . 2010 . Lambda print .

RO Galería de Arte. 

Marta Minujín . Freaking on Fluo (Serie verde) . 2011 . Técnica mixta (cotin, pintura acrílica fluo, laca) con proyección .

Marta Minujín . All the Lovely People . 2010 . Técnica mixta (cotin, pintura acrílica fluo, goma espuma, laca) . 

Ruth Benzacar Galería de Arte.

Miguel Rothschild . Los Ángeles . 2010 . C-Print agujereado, papel picado .

Miguel Rothschild . Roxie . 2010 . C-Print agujereado, papel picado . 

Revolver.

Giancarlo Scaglia . Una gran mancha negra, de la Serie “Emesis” . 2011 . Escultura hecha en base a bolsas negras de basura . Dimensiones variables

Debo confesar que sufro de tener gustos muy variados distintos entre sí, pero eso fue lo que más me gustó de la muestra, que haya tantas cosas para ver y que cada una cuente su historia.

Louise Bourgeois: el retorno de lo reprimido.

Primer post de Triunica Choreia (algún día voy a explicar el por qué de este nombre). Hoy fui con dos amigas y futuras colegas a ver la muestra de Louise Bourgeois en Fundación Proa. Increíble!

La exhibición es un recorrido del panorama completo de su obra, abarca más de 60 años de producción artística. Louise (1911 - 2010) fue una artista central del siglo XX y sus obras evidencian cómo el psicoanálisis intervino en el pensamiento de la artista, y cómo el diálogo con ese discurso creó un universo emocionante sobre la compleja, conflictiva y sutil vida contemporánea. El mundo interior, el de las relaciones familiares, el lugar del padre, la madre, la hija y la esposa están tratados de manera singular, propia y personal, y convierten a Bourgeois en un ícono de los temas más trascendentales del siglo XX.

Las Spiders (Arañas) de Louise Bourgeois son un homenaje a su madre. Simbolizan la protección, alimentación y reconciliación. La obra Spider (1997) explora el tema del deseo y de la memoria a través de los cinco sentidos. Aquí, el tejido de la araña es una jaula que guarda objetos del pasado de la artista. Bourgeois vive obsesionada por este pasado del que se quiere liberar para así poder experimentar el presente. La reja puede leerse tanto como refugio y como trampa. 

Un conjunto de objetos presenta imágenes y formas que transitan toda la producción de la artista. El laberinto, las protuberancias, espirales, amebas y dedos son algunos de los títulos de las obras. Casi todas se realizaron en la década del ´60, mientras Bourgeois se mantenía aislada de los movimientos artísticos de la época, creando su propio universo. Bronce, metal pintado, dibujos, látex y experiencias con materiales concentran su atención.

A mediados de los 90 comienza a incorporar tejidos de su vida cotidiana, como toallas, sábanas y ropa. Estos objetos contienen y personifican memorias, son hacedores de tiempo, de personas y lugares que ella conoció. El amor, la pareja, la castración femenina, la unión son presentados familiarmente, con materiales de uso cotidiano, íntimos.

Bourgeois comenzó a utilizar el colgado de piezas como estrategia formal a partir de los años 60. Colgar una escultura es enfatizar su fragilidad y vulnerabilidad. Ninguna posición está fijada o es final. "La horizontalidad es un deseo de renunciar, de dormir. La verticalidad es un intento de escape. Colgar y flotar son estados de ambivalencia y duda".

Arch of Hysteria (1993), obra cumbre del arte del siglo XX, es una figura andrógina, universal, donde la belleza tiene un objetivo claro y preciso, con el dorado, color de lujo, de lo suntuoso y lo sagrado. Según muchos historiadores del arte, esta obra trabaja uno de los conceptos centrales que inaugura el psicoanálisis. Para la artista, la histeria no era privativa de lo femenino.

Una habitación fue concebida en homenaje a una de las frases favoritas de Bourgeois: "pink days" (días rosas, días buenos) y "blue days" (días azules, días malos). Esta zona es más liviana y delicada. 

En Nature Study (1984-2002) lo animal y lo humano, lo masculino y lo femenino, se fusionan en un híbrido inclasificable. El genital masculino es protegido por la femeneidad así como Louise sentía que ella protegía a su esposo y sus tres hijos.

Mamelles (1991) consiste en un aglomerado de pechos, objetos parciales que conforman un paisaje corporal y es una extraordinaria obra acerca del amamantar, del alimentar, de la grandiosidad del hecho. La multiplicidad da cuenta del lugar que ese primer acto de la vida humana ocupa en nuestra memoria.

The Reticent Child (2004) es un relato entre la madre y el niño que tarda en nacer. Una circunstancia que afectará a ambos en su relación con el mundo. El espejo cóncavo detrás de las figuras de tela y mármol devuelve imágenes distorsionadas de esta escena implicando que la memoria, como el deseo, transforma el recuerdo volviéndolo parecido pero no igual. La obra presenta un relato, cada imagen es un momento como si estuviera presente el cine, con el espejo que ofrece la posibilidad de incluirnos, participando y reflexionando sobre el propio pasado.

La exhibición termina con esta secuencia del nacimiento.